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SD La quinta jornada en el grupo I de la División de Honor Andaluza depara este domingo partidos caseros para el Ayamonte y La Palma, y como visitante para el Atlético Onubense y Bollullos.

A las 12:00 está fijado el duelo Ayamonte-Atlético Central, al que llegará el equipo de la Puerta de España herido tras sufrir la anterior jornada la primera derrota de la temporada. Fue en Dos Hermanas ante la PD Rociera, resultado que le apartó del liderato. Ahora mismo el conjunto de Alejandro Ceballos es tercero con 9 puntos, a uno de los puestos de privilegio, y afronta este compromiso con la intención de olvidar ese traspiés y seguir mostrándose fuerte en casa, donde ha ganado los dos partidos disputados, ante el Egabrense y el Arcos.

Llegará a Ayamonte un Atlético Central que es noveno con 5 puntos, en la zona tranquila de la tabla de momento, fruto de un triunfo, dos empates y una derrota, pero con la clara idea de sumar.



La Palma se autoexige el triunfo este domingo ante el Chiclana. / Foto: David Limón.
La Palma se autoexige el triunfo este domingo ante el Chiclana. / Foto: David Limón.

A la misma hora (12:00) también juega en casa La Palma, que recibirá al Chiclana. Ganar es el reto que se plantea el equipo de Mario Rodríguez que recuperó en Cabra en la anterior jornada los puntos que se llevó el Atlético Espeleño el feudo condal. Por ahora el cuadro condal es cuarto con 9 puntos, después de tres victorias y una sola derrota, esa mencionada con el equipo de Espiel. Para este partido son muy dudosos Nico y Galleti, en tanto que el técnico gallego recuperará a Andrés Pavón.

Visita el feudo palmerino un Chiclana que está en horas bajas, ocupando la última plaza con solo un punto sumado en los cuatro partidos que ha jugado, precisamente en el inicio en el feudo del Guadalcacín. Tres derrotas seguidas marcan la trayectoria de un equipo que en la pasada campaña acarició el ascenso ahora.

Romper la mala racha de resultados en Alcalá, el objetivo del filial del Recre. / Foto: @Coria_CF.
Romper en Alcalá la mala racha de resultados, el objetivo del filial del Recre. / Foto: @Coria_CF.

como visitante, pero también a las 12:00, juega el Atlético Onubense en este caso en el feudo del Alcalá. El filial del Recre es el peor clasificado de los equipos de Huelva, ocupando el 14º puesto con 4 puntos. Una victoria, un empate y dos derrotas es lo que ha hecho hasta el momento el equipo de Jaime Díaz, que afrontará este choque con la idea de romper la mala racha de dos partidos perdidos seguidos. Va con todo el técnico rosaleño, incluido el meta Manu, que has estado en los últimos partidos con el primer equipo por la lesión de Gonzalo Piña, y el guineano Ju, la última incorporación del equipo.

Juega en el feudo de un Alcalá que está aún peor clasificado ya que es penúltimo (19º) con solo dos puntos en su haber, fruto de dos empates ambos en casa.

Con mucho que ganar y menos que perder acude el Bollullos a su cita liguera en Coria. / Foto: @bollulloscf1933.
Con mucho que ganar y menos que perder acude el Bollullos a su cita liguera en Coria. / Foto: @bollulloscf1933.

Por último a las 19:00 horas está previsto que se juegue el encuentro Coria-Bollullos, al que acude el cuadro condal con mucho que ganar y menos que perder. Así debe plantear el partido el cuadro de José Carlos Santana ‘Kuiki’ en el feudo del co-líder Coria, y uno de los máximos candidatos al ascenso. Los bollulleros, séptimos con 7 puntos después de dos triunfos, un empate y una derrota, visitan el estadio Guadalquivir con moral ya que son tres las jornadas que lleva sin perder.

Le espera el Coria, segundo pero con los mismos 10 puntos que el líder, Atlético Espeleño. Por el momento los corianos han logrado tres triunfos -el último en La Orden ante el filial del Recre- y un empate, eso sí, en casa.

Los horarios en la División de Honor Andaluza son:

Domingo 17 de octubre:
12:00 Torreblanca-PD Rociera.
12:00 Ayamonte-At. Central.
12:00 Castilleja-Guadalcacín.
12:00 Alcalá-At. Onubense.
12:00 Jerez Ind.-Montilla.
12:00 a las. Algabeño-Egabrense.
12:00 La Palma-Chiclana.
18:00 UB Lebrijana-At. Espeleño.
18:30 ARRIBA Viso-Arcos.
19:00 Coria-Bollullos.

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Llegará a Ayamonte un Atlético Central que es noveno con 5 puntos, en la zona tranquila de la tabla de momento, fruto de un triunfo, dos empates y una derrota, pero con la clara idea de sumar.



La Palma se autoexige el triunfo este domingo ante el Chiclana. / Foto: David Limón.
La Palma se autoexige el triunfo este domingo ante el Chiclana. / Foto: David Limón.

A la misma hora (12:00) también juega en casa La Palma, que recibirá al Chiclana. Ganar es el reto que se plantea el equipo de Mario Rodríguez que recuperó en Cabra en la anterior jornada los puntos que se llevó el Atlético Espeleño el feudo condal. Por ahora el cuadro condal es cuarto con 9 puntos, después de tres victorias y una sola derrota, esa mencionada con el equipo de Espiel. Para este partido son muy dudosos Nico y Galleti, en tanto que el técnico gallego recuperará a Andrés Pavón.

Visita el feudo palmerino un Chiclana que está en horas bajas, ocupando la última plaza con solo un punto sumado en los cuatro partidos que ha jugado, precisamente en el inicio en el feudo del Guadalcacín. Tres derrotas seguidas marcan la trayectoria de un equipo que en la pasada campaña acarició el ascenso ahora.

Romper la mala racha de resultados en Alcalá, el objetivo del filial del Recre. / Foto: @Coria_CF.
Romper en Alcalá la mala racha de resultados, el objetivo del filial del Recre. / Foto: @Coria_CF.

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Juega en el feudo de un Alcalá que está aún peor clasificado ya que es penúltimo (19º) con solo dos puntos en su haber, fruto de dos empates ambos en casa.

Con mucho que ganar y menos que perder acude el Bollullos a su cita liguera en Coria. / Foto: @bollulloscf1933.
Con mucho que ganar y menos que perder acude el Bollullos a su cita liguera en Coria. / Foto: @bollulloscf1933.

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Domingo 17 de octubre:
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Cualquiera que haya salido por Santiago sabe que las mejores noches de fiesta terminan en el Maycar, un local que lleva más de 52 años en activo y que forma parte de la historia y las leyendas de la capital gallega.

La discoteca más longeva de Santiago está de vuelta desde este viernes 15  manteniendo su esencia. Por el momento abrirán hasta las 4 de la madrugada pero esperan que pronto se alivien las restricciones y así, volver a su horario habitual. Fran y Pablo Fernández son los dos hermanos que regentan el local que su padre puso en marcha en 1969.

Se ha hecho esperar la vuelta del Maycar…

Sí, hemos sido los últimos en volver porque tampoco veíamos claro el panorama y preferimos esperar. Cada uno tiene unas circunstancias y en base a eso decide lo que cree mejor. Nosotros somos un local que funcionábamos con un horario muy marcado, abríamos a las 3 y cerrábamos a las 6 o 6.30 entre que se vaciaba el local. Ahora mismo estamos en un momento donde todas las discotecas tenemos que regirnos por el mismo horario de los pubs y hay que adaptarse, pero esperamos que pronto podamos recuperar nuestra franja habitual.

¿En algún momento, después de tantos meses cerrados  y con una situación tan complicada para el ocio nocturno os planteasteis dejarlo definitivamente?

No, para nada. Mi hermano y yo llevamos este negocio con toda nuestra energía y nuestro empeño. Sabíamos que íbamos a volver a abrir sí o sí. Si algún día uno tiene que cerrar pues cierra, pero que no sea por una situación así, eso me daría pena. Nos gustaría que esto funcionase muchos años, desde luego.

Maycar es la discoteca que más noches ha abierto de Galicia,  eso seguro. Antes abría de lunes a domingo, todos los días. Después decidimos que los domingos se cerraba y se descansaba.

Ahora abriremos de lunes a sábado y por el momento tenemos el sistema de venta de entradas anticipadas que pueden reservar (máximo 3 por persona) el mismo día que quieran venir entre las 12 y las 17.00h y luego tienen que pasar en horario de tarde por el local a efectuar el pago y recogerla. Evidentemente será obligatorio el pasaporte COVID y el registrarse para que queden todos los datos de los clientes.

¿Es verdad eso de que hay un resurgir de la noche compostelana?

Bueno, es verdad que ahora entre el buen tiempo que está haciendo y las ganas que teníamos todos de fiesta, se está saliendo mucho. Es verdad que todas esas aglomeraciones que se ven irán a menos cuantos más locales estén abiertos y cuánto mayor sea el aforo permitido dentro de ellos, porque se irán repartiendo entre todos. Ahora aquí tenemos hasta el 75%  que son 120 personas. Nosotros queremos ver como acoge nuestra clientela habitual este nuevo horario provisional del Maycar, abriremos cuando cierran los bares y tenemos permiso para estar abiertos hasta las 4.

¿Y como se hace para sobrevivir tantos y tantos años en un mundo tan duro como el de la noche?

Este es un negocio familiar que empezó mi padre y ahora estamos al frente mi hermano Pablo y yo. Para nosotros, que llevamos 25 y 26 años trabajando en esto, es nuestro mundo. Somos la discoteca más longeva de Galicia en activo y que no ha cambiado su nombre ni su personalidad en todos los años que lleva funcionando. Mi padre obtuvo la licencia de cafetería y whisky club el 22 de mayo de 1968 y a finales del 69 se puso en marcha el Maycar.

Por otro lado, se trata de conocer a tu clientela. El Maycar tiene una identidad muy marcada, una oferta musical concreta y con personalidad y aquí sabes lo que te vas a encontrar, música rock, reggae, metal… Date cuenta de que hay gente que lleva viniendo por aquí 20 o 30 años, clientes que conocemos perfectamente y ellos a nosotros. Y saben que aquí siempre son bien recibidos, siempre hay un chupito esperando por ellos (dice entre risas).

El Maycar, vacío y con su nueva decoración

El equipo que trabaja con nosotros, desde los porteros o los camareros dan lo mejor para que la clientela se sienta como en casa .Todos los trabajadores llevan muchísimos años con nosotros. De hecho, el dj se jubiló durante la pandemia después de 43 años pinchando aquí. Somos un gran equipo y todos ellos se toman esto como su propio negocio.

¿Y cuál ha sido la canción que más veces habrá sonado entre estas paredes?

Si tengo que quedarme con una que haya sonado mucho y que represente 100% al local y su esencia te diría que es Septima seccion del ejercito de Las Rayas Blancas pero quedarme con una sola es imposible… Cualquiera de Extremoduro, Los Suaves…. Por ejemplo el Dolores se llamaba Lola es una canción que ha sonado cada noche aquí, la ponía siempre nuestro dj. Pero también ponemos pop y música urbana más comercial. Eso sí, no ponemos reguetón, no porque tengamos nada en contra, pero no es la música que suena aquí. Aun me acuerdo como algunos clientes despistados iban al dj a pedirle canciones reguetoneras y él se enfadaba y les decía “ Pero chicos, no saben dónde están? ”.

Bob Marley forma parte del nuevo look del local

Y en esta apertura estrenáis nuevo look…

Sí, hemos cambiado todo el suelo, que eso ha sido un reforma importante, también pintado todo el local y arreglado todo lo que iba haciendo falta. En lo que es la pista de baile Jacky el del Joker (otro local mítico compostelano) nos ha hecho unos dibujos que van muy en consonancia con la esencia del Maycar. Los rostros de Kurt Cobain, Janis Joplin, Bob Marley… . Antes estaba lleno de dibujos, dedicatorias o frases que la gente empezó a dejar, a modo de recuerdo y que ya formaban parte de la estética del lugar. Estaba completamente lleno de firmas  y no descartamos que eso vuelva a suceder porque esas cosas acaban pasando..  También hemos sacado el espejo que había en las escaleras de acceso y hemos puesto un logo del local. Sobre todo hemos intentado mantener la esencia completamente, no es una reforma profunda ni nada de eso.

¿Qué esperáis que suceda a partir de la noche del viernes?

Que venga mucha gente, ojalá. Sobre todo esperamos a nuestra clientela habitual pero también queremos que vengan a conocernos gente que aun no conoce el Maycar. Sabemos de buena tinta que muchos nos han echado de menos y nosotros a ellos también, así que esperamos contar con todos.

Por otro lado toca ir viendo como va funcionando, que se vaya respetando todo el tema de las reservas de entradas y a ver si pronto podemos recuperar nuestro horario habitual, que tenemos muchas ganas. Que la gente venga a pasárselo bien, como han hecho siempre, este es un local que tiene muy buen ambiente, de toda la vida y que no defrauda.

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La discoteca más longeva de Santiago está de vuelta desde este viernes 15  manteniendo su esencia. Por el momento abrirán hasta las 4 de la madrugada pero esperan que pronto se alivien las restricciones y así, volver a su horario habitual. Fran y Pablo Fernández son los dos hermanos que regentan el local que su padre puso en marcha en 1969.

Se ha hecho esperar la vuelta del Maycar…

Sí, hemos sido los últimos en volver porque tampoco veíamos claro el panorama y preferimos esperar. Cada uno tiene unas circunstancias y en base a eso decide lo que cree mejor. Nosotros somos un local que funcionábamos con un horario muy marcado, abríamos a las 3 y cerrábamos a las 6 o 6.30 entre que se vaciaba el local. Ahora mismo estamos en un momento donde todas las discotecas tenemos que regirnos por el mismo horario de los pubs y hay que adaptarse, pero esperamos que pronto podamos recuperar nuestra franja habitual.

¿En algún momento, después de tantos meses cerrados  y con una situación tan complicada para el ocio nocturno os planteasteis dejarlo definitivamente?

No, para nada. Mi hermano y yo llevamos este negocio con toda nuestra energía y nuestro empeño. Sabíamos que íbamos a volver a abrir sí o sí. Si algún día uno tiene que cerrar pues cierra, pero que no sea por una situación así, eso me daría pena. Nos gustaría que esto funcionase muchos años, desde luego.

Maycar es la discoteca que más noches ha abierto de Galicia,  eso seguro. Antes abría de lunes a domingo, todos los días. Después decidimos que los domingos se cerraba y se descansaba.

Ahora abriremos de lunes a sábado y por el momento tenemos el sistema de venta de entradas anticipadas que pueden reservar (máximo 3 por persona) el mismo día que quieran venir entre las 12 y las 17.00h y luego tienen que pasar en horario de tarde por el local a efectuar el pago y recogerla. Evidentemente será obligatorio el pasaporte COVID y el registrarse para que queden todos los datos de los clientes.

¿Es verdad eso de que hay un resurgir de la noche compostelana?

Bueno, es verdad que ahora entre el buen tiempo que está haciendo y las ganas que teníamos todos de fiesta, se está saliendo mucho. Es verdad que todas esas aglomeraciones que se ven irán a menos cuantos más locales estén abiertos y cuánto mayor sea el aforo permitido dentro de ellos, porque se irán repartiendo entre todos. Ahora aquí tenemos hasta el 75%  que son 120 personas. Nosotros queremos ver como acoge nuestra clientela habitual este nuevo horario provisional del Maycar, abriremos cuando cierran los bares y tenemos permiso para estar abiertos hasta las 4.

¿Y como se hace para sobrevivir tantos y tantos años en un mundo tan duro como el de la noche?

Este es un negocio familiar que empezó mi padre y ahora estamos al frente mi hermano Pablo y yo. Para nosotros, que llevamos 25 y 26 años trabajando en esto, es nuestro mundo. Somos la discoteca más longeva de Galicia en activo y que no ha cambiado su nombre ni su personalidad en todos los años que lleva funcionando. Mi padre obtuvo la licencia de cafetería y whisky club el 22 de mayo de 1968 y a finales del 69 se puso en marcha el Maycar.

Por otro lado, se trata de conocer a tu clientela. El Maycar tiene una identidad muy marcada, una oferta musical concreta y con personalidad y aquí sabes lo que te vas a encontrar, música rock, reggae, metal… Date cuenta de que hay gente que lleva viniendo por aquí 20 o 30 años, clientes que conocemos perfectamente y ellos a nosotros. Y saben que aquí siempre son bien recibidos, siempre hay un chupito esperando por ellos (dice entre risas).

El Maycar, vacío y con su nueva decoración

El equipo que trabaja con nosotros, desde los porteros o los camareros dan lo mejor para que la clientela se sienta como en casa .Todos los trabajadores llevan muchísimos años con nosotros. De hecho, el dj se jubiló durante la pandemia después de 43 años pinchando aquí. Somos un gran equipo y todos ellos se toman esto como su propio negocio.

¿Y cuál ha sido la canción que más veces habrá sonado entre estas paredes?

Si tengo que quedarme con una que haya sonado mucho y que represente 100% al local y su esencia te diría que es Septima seccion del ejercito de Las Rayas Blancas pero quedarme con una sola es imposible… Cualquiera de Extremoduro, Los Suaves…. Por ejemplo el Dolores se llamaba Lola es una canción que ha sonado cada noche aquí, la ponía siempre nuestro dj. Pero también ponemos pop y música urbana más comercial. Eso sí, no ponemos reguetón, no porque tengamos nada en contra, pero no es la música que suena aquí. Aun me acuerdo como algunos clientes despistados iban al dj a pedirle canciones reguetoneras y él se enfadaba y les decía “ Pero chicos, no saben dónde están? ”.

Bob Marley forma parte del nuevo look del local

Y en esta apertura estrenáis nuevo look…

Sí, hemos cambiado todo el suelo, que eso ha sido un reforma importante, también pintado todo el local y arreglado todo lo que iba haciendo falta. En lo que es la pista de baile Jacky el del Joker (otro local mítico compostelano) nos ha hecho unos dibujos que van muy en consonancia con la esencia del Maycar. Los rostros de Kurt Cobain, Janis Joplin, Bob Marley… . Antes estaba lleno de dibujos, dedicatorias o frases que la gente empezó a dejar, a modo de recuerdo y que ya formaban parte de la estética del lugar. Estaba completamente lleno de firmas  y no descartamos que eso vuelva a suceder porque esas cosas acaban pasando..  También hemos sacado el espejo que había en las escaleras de acceso y hemos puesto un logo del local. Sobre todo hemos intentado mantener la esencia completamente, no es una reforma profunda ni nada de eso.

¿Qué esperáis que suceda a partir de la noche del viernes?

Que venga mucha gente, ojalá. Sobre todo esperamos a nuestra clientela habitual pero también queremos que vengan a conocernos gente que aun no conoce el Maycar. Sabemos de buena tinta que muchos nos han echado de menos y nosotros a ellos también, así que esperamos contar con todos.

Por otro lado toca ir viendo como va funcionando, que se vaya respetando todo el tema de las reservas de entradas y a ver si pronto podemos recuperar nuestro horario habitual, que tenemos muchas ganas. Que la gente venga a pasárselo bien, como han hecho siempre, este es un local que tiene muy buen ambiente, de toda la vida y que no defrauda.

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15 octubre, 2021 6:49 pm
Publicado por  Redacción –

“Cuando [los Rolling Stones] componen cosas, tienen que tener esa base blues. Nosotros sin embargo teníamos algunas otras influencias. Hay muchas diferencias, y me encantan los Stones, pero estoy contigo, The Beatles eran mejores”, señalaba ya Paul McCartney en 2020 en una entrevista para El show de Howard Stern, un comentario que le valió la réplica del líder de los Stones, Mick Jagger, que afirmaba que su banda es mejor a la hora de realizar grandes giras.

Tiempo después, lejos de enterrar cualquier posible polémica más dura, McCartney ha vuelto a hablar del mismo modo sobre sus Satánicas Majestades en una entrevista con los Neoyorquino. “No estoy seguro de si debería, pero [The Rolling Stones] es simplemente una banda de versiones de blues, es más o menos lo que son”, ha asegurado en la entrevista.

Además, ha añadido que las capacidades compositivas de los Beatles eran algo más variadas. “Creo que nuestra red era algo más amplia que la suya”, ha afirmado sobre sus diferentes sonidos, reafirmándose en sus declaraciones a Howard Stern, donde, en sus propias palabras, dijo que no pretendía ofender a la banda: “Son geniales, los amo. Pero están arraigados en el blues, por lo que cuando escriben, tiene que ver con el blues. Nosotros teníamos algunas influencias más. Keith [Richards, guitarrista de los Rolling Stones] me dijo una vez: “Eres un hombre con suerte, tienes cuatro cantantes en tu banda”, dijo, “nosotros tenemos uno””.

Pese a lo que McCartney piense, los Rolling Stones siguen manteniendo una legión de fans que observan cómo la banda se acerca al inexorable final de su gira ‘Sin filtro’, con la cual continuaron después de la muerte de su batería, Charlie Watts. Además, pese a las críticas, Mick Jagger sigue defendiendo que eso es lo que el propio Watts hubiera deseado que hicieran.

PARA LEER MÁS:

Redacción
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15 octubre, 2021 6:49 pm
Publicado por  Redacción –

“Cuando [los Rolling Stones] componen cosas, tienen que tener esa base blues. Nosotros sin embargo teníamos algunas otras influencias. Hay muchas diferencias, y me encantan los Stones, pero estoy contigo, The Beatles eran mejores”, señalaba ya Paul McCartney en 2020 en una entrevista para El show de Howard Stern, un comentario que le valió la réplica del líder de los Stones, Mick Jagger, que afirmaba que su banda es mejor a la hora de realizar grandes giras.

Tiempo después, lejos de enterrar cualquier posible polémica más dura, McCartney ha vuelto a hablar del mismo modo sobre sus Satánicas Majestades en una entrevista con los Neoyorquino. “No estoy seguro de si debería, pero [The Rolling Stones] es simplemente una banda de versiones de blues, es más o menos lo que son”, ha asegurado en la entrevista.

Además, ha añadido que las capacidades compositivas de los Beatles eran algo más variadas. “Creo que nuestra red era algo más amplia que la suya”, ha afirmado sobre sus diferentes sonidos, reafirmándose en sus declaraciones a Howard Stern, donde, en sus propias palabras, dijo que no pretendía ofender a la banda: “Son geniales, los amo. Pero están arraigados en el blues, por lo que cuando escriben, tiene que ver con el blues. Nosotros teníamos algunas influencias más. Keith [Richards, guitarrista de los Rolling Stones] me dijo una vez: “Eres un hombre con suerte, tienes cuatro cantantes en tu banda”, dijo, “nosotros tenemos uno””.

Pese a lo que McCartney piense, los Rolling Stones siguen manteniendo una legión de fans que observan cómo la banda se acerca al inexorable final de su gira ‘Sin filtro’, con la cual continuaron después de la muerte de su batería, Charlie Watts. Además, pese a las críticas, Mick Jagger sigue defendiendo que eso es lo que el propio Watts hubiera deseado que hicieran.

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Por Mino De Blanco

La reconocida actriz francesa Catherine Deneuve regresa a la pantalla cinematográfica con “Mientras esté vivo”, dirigida por la reconocida realizadora, actriz y guionista Emmanuelle Bercot, quien es ganadora de diversos premios al o largo de su carrera por sus interpretaciones y sus trabajos como directora.

La cinta es un interesante y dramático drama esperanzador con un contundente guión sobre un hombre condenado a morir demasiado joven por una enfermedad, y cuenta con las actuaciones de Benoît Magimel, Catherine Deneuve y Gabriel Sara. El sufrimiento de una madre ante lo inaceptable. La dedicación de un médico y una enfermera para acompañarlos en este camino imposible y guiarlos hacia la aceptación. Un año, cuatro estaciones, para “bailar” con la enfermedad, para domesticarla y para entender lo que significa morir mientras se está vivo.

“Mientras esté vivo” se presentó en la pasada edición del Festival de Cannes, donde recibió grandes ovaciones, sobre todo a las interpretaciones; y que esta vez llega de forma exclusiva a las salas mexicanas de cine, gracias al Tour de cine Francés en colaboración con Cinépolis Sala de Arte®.

Catherine Deneuve realiza una interpretación que trasmite y toca todos los sentidos, al dar vida a una madre a la que solo le toca ser observadora de cómo su hijo va perdiendo la vida.

Benolt Magimel, el ganador a “Mejor Actor” en Cannes en el año 2001 por su interpretación en “La Pianiste”, da vida a un hombre de 39 años al que se le notifica que pronto perderá la vida debido a una enfermedad para la que no hay mucho que hacer, joven y sin sentir que no ha hecho nada por su vida, sabe tomar lo mejor de ella por momentos. Su actuación hace plantearse al espectador el cuestionamiento de ¿Qué haría si solo le quedan unos meses de vida según las estadísticas? ¿Qué haría si le dijeran que a alguien a quien ama le quedan sólo algunos meses de vida?

El papel del doctor es interpretado por el oncólogo libanés Gabriel Sara, quien tiene un sistema de atención para pacientes terminales que consiste en rodear a los enfermos con momentos de amor y felicidad. “Su trabajo, su humanidad y su filosofía han hecho que este filme, que era sobre el amor, se convirtiera en un “himno a la vida”, explicó Bercot.
La película también logra ser un reconocimiento a los doctores, internistas, asistentes, enfermeros y a toda persona parte del personal médico que con su gran labor y humanismo son un aliciente en este andar.

El soundtrack musicaliza de manera extraordinaria cada altibajo de la cinta, desde tangos, Bach, Ray Charles, hasta la versión acústica de “Nothing Compares 2U” de Prince, entre otras y el tema central “Voyage, voyage” (“Vuela, vuela”).

“Mientras esté vivo” es parte de la selección de la edición 25 del Tour de Cine Francés, que iniciará este 14 de octubre en 73 ciudades y podrás disfrutar en la pantalla grande, gracias a Cinépolis y Sala de Arte Cinépolis®.

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Por Mino De Blanco

La reconocida actriz francesa Catherine Deneuve regresa a la pantalla cinematográfica con “Mientras esté vivo”, dirigida por la reconocida realizadora, actriz y guionista Emmanuelle Bercot, quien es ganadora de diversos premios al o largo de su carrera por sus interpretaciones y sus trabajos como directora.

La cinta es un interesante y dramático drama esperanzador con un contundente guión sobre un hombre condenado a morir demasiado joven por una enfermedad, y cuenta con las actuaciones de Benoît Magimel, Catherine Deneuve y Gabriel Sara. El sufrimiento de una madre ante lo inaceptable. La dedicación de un médico y una enfermera para acompañarlos en este camino imposible y guiarlos hacia la aceptación. Un año, cuatro estaciones, para “bailar” con la enfermedad, para domesticarla y para entender lo que significa morir mientras se está vivo.

“Mientras esté vivo” se presentó en la pasada edición del Festival de Cannes, donde recibió grandes ovaciones, sobre todo a las interpretaciones; y que esta vez llega de forma exclusiva a las salas mexicanas de cine, gracias al Tour de cine Francés en colaboración con Cinépolis Sala de Arte®.

Catherine Deneuve realiza una interpretación que trasmite y toca todos los sentidos, al dar vida a una madre a la que solo le toca ser observadora de cómo su hijo va perdiendo la vida.

Benolt Magimel, el ganador a “Mejor Actor” en Cannes en el año 2001 por su interpretación en “La Pianiste”, da vida a un hombre de 39 años al que se le notifica que pronto perderá la vida debido a una enfermedad para la que no hay mucho que hacer, joven y sin sentir que no ha hecho nada por su vida, sabe tomar lo mejor de ella por momentos. Su actuación hace plantearse al espectador el cuestionamiento de ¿Qué haría si solo le quedan unos meses de vida según las estadísticas? ¿Qué haría si le dijeran que a alguien a quien ama le quedan sólo algunos meses de vida?

El papel del doctor es interpretado por el oncólogo libanés Gabriel Sara, quien tiene un sistema de atención para pacientes terminales que consiste en rodear a los enfermos con momentos de amor y felicidad. “Su trabajo, su humanidad y su filosofía han hecho que este filme, que era sobre el amor, se convirtiera en un “himno a la vida”, explicó Bercot.
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Redacción. El Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, que celebrará su 47 edición entre los días 12 y 19 de noviembre, entregará el Premio Ciudad de Huelva al director Fernando Trueba, uno de los grandes nombres de la cinematografía española.

De esta forma, el Iberoamericano entrega su máxima distinción honorífica a una de las grandes figuras de la industria del cinematográfica de España. “Un cineasta con una filmografía variada y de calidad, muy diversa, un director que ha trabajo en multitud de formatos diferentes, ficción, documental o animación, para contar sus historias”, en palabras de Manuel H. Martín, director del Festival de Huelva.

Fernando Trueba / Foto: Gonzo Suárez.

Fernando Trueba es un cineasta reconocido en nuestro país con multitud de galardones, como el Premio Nacional de Cinematografía (2015). Cuenta con más de 30 títulos como director, entre ellos ‘Belle Époque’, con la que ganó el Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa; ‘La niña de tus ojos’, ganadora de siete Premios Goya; ‘Chico & Rita’, Premio del Cine Europeo a la Mejor Película de Animación; o la reciente ‘El olvido que seremos’, con cinco Premios Platino. En total, sus películas han sumado 69 nominaciones a los Goya y sus protagonistas y técnicos han subido a recibir el premio en 32 ocasiones.



“Hablar de Fernando Trueba es hacerlo de un gran cineasta de nuestro país, por lo que para el Festival supone un inmenso honor poder entregar nuestro Premio Ciudad de Huelva a un director de su trayectoria”, ha asegurado el director del certamen onubense.

Martín ha destacado que la 47 edición del Festival será la de la vuelta a la presencialidad, a las salas de cine y a la pantalla grande. “Celebramos la vuelta a la presencialidad y qué mejor que hacerlo con un Premio Ciudad de Huelva a un homenajeado como Fernando Trueba”.

Fernando Trueba (Madrid, 1955) debutó en 1980 con ‘Ópera prima’ (1980), que renovó la comedia española y fue premiada en los festivales de Venecia y Chicago y tuvo un gran éxito de taquilla. Fue el inicio de una larga carrera llena de éxitos y reconocimientos. Con ‘El año de las luces’ (1986) gana el Oso de Plata en el Festival de Berlín y el primero de los numerosos premios Goya con los que la Academia de Cine Española le ha reconocido en todo este tiempo.

En 1989 sorprende con un thriller psicológico en inglés, ‘The mad monkey’ (1989), que obtiene 5 premios Goya, incluyendo los de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion. Es en 1992 cuando recibe el Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa con ‘Belle Époque’ (1992), que obtiene también el Bafta y 9 premios Goya, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion, Mejor Actriz y Mejor Actor y Actriz Secundaria.

‘La niña de tus ojos’ (1998) es de nuevo un gran éxito y la gran triunfadora de los premios Goya de ese año con siete galardones, incluyendo Mejor Película, Mejor Actriz y Mejor Actor Secundario. Con ‘Calle 54’ (2000) consigue unir sus dos pasiones, el cine y la música, en un homenaje a los maestros latinos del jazz que además del Goya al Mejor Documental obtiene el Best Film Award de la USA Jazz Journalists Association.

‘El embrujo de Shanghai’ (2002) recibe tres premios Goya, y ‘El milagro de Candeal’ (2004), los de Mejor Documental y Mejor Canción. En ella, el cine y la música se unen de nuevo para retratar el trabajo social de una comunidad de Salvador de Bahía (Brasil).

Su siguiente aventura, ‘Chico & Rita’ (2010), su primera película de animación en colaboración con Javier Mariscal, de nuevo le lleva hasta los premios de la Academia de Hollywood, siendo la primera película española nominada al Oscar como Mejor Película de Animación, una cinta que recibió también el de Mejor Película Europea de Animación en los European Film Awards y el Goya a la Mejor Película de Animación española, entre otros muchos.

Con ‘El artista y la modelo’ (2011), Premio al Mejor Director en el Festival de San Sebastián, se adentra en los misterios del arte y la creación y reúne a dos leyendas del cine, Jean Rochefort y Claudia Cardinale. ‘La reina de España’ (2016), secuela de ‘La niña de tus ojos’ (1998) fue presentada en la Sección Oficial del Festival de Berlín.

Su última película hasta la fecha es ‘El olvido que seremos’ (2020), Premio Goya a la mejor película extranjera de habla hispana y con cinco Premios Platino, entre ellos el de Mejor Película Iberoamericana.

La música, su otra gran pasión, ha ido ocupando un protagonismo cada vez mayor en su cine y, a partir de ‘Calle 54’, ha desarrollado una carrera en paralelo como productor musical, asociado a artistas como el legendario pianista y compositor cubano Bebo Valdés, al guitarrista Niño Josele, a la cantante Estrella Morente, o el rumbero Pedrito Martínez, entre otros…

El disco ‘Lágrimas Negras’, donde unió a Bebo Valdés con Diego ‘El Cigala’, fue un éxito mundial que la crítica americana calificó como “an instant classic”. En la banda sonora de ‘Chico & Rita’, tal vez su trabajo más complejo como productor musical, contó con grandes de la música cubana, norteamericana y española como Bebo Valdés, Jimmy Heath, Estrella Morente, Freddy Cole, etc…

Sus producciones han sido reconocidas a nivel internacional con tres Grammy Awards, por ‘El arte del sabor’ (2000), ‘Bebo de Cuba’ (2004), ‘Juntos para siempre’ (2008). Además, ha recibido seis Latin Grammy por ‘El arte del sabor’ (2000), ‘Lágrimas Negras’ (2002), ‘Bebo de Cuba’ (2004), ‘Bebo’ (2005) y ‘Juntos para siempre’ (2008) y ‘Blanco y Negro’ (2003), éste último en la categoría de Mejor Video Musical de Largometraje.

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Redacción. El Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, que celebrará su 47 edición entre los días 12 y 19 de noviembre, entregará el Premio Ciudad de Huelva al director Fernando Trueba, uno de los grandes nombres de la cinematografía española.

De esta forma, el Iberoamericano entrega su máxima distinción honorífica a una de las grandes figuras de la industria del cinematográfica de España. “Un cineasta con una filmografía variada y de calidad, muy diversa, un director que ha trabajo en multitud de formatos diferentes, ficción, documental o animación, para contar sus historias”, en palabras de Manuel H. Martín, director del Festival de Huelva.

Fernando Trueba / Foto: Gonzo Suárez.

Fernando Trueba es un cineasta reconocido en nuestro país con multitud de galardones, como el Premio Nacional de Cinematografía (2015). Cuenta con más de 30 títulos como director, entre ellos ‘Belle Époque’, con la que ganó el Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa; ‘La niña de tus ojos’, ganadora de siete Premios Goya; ‘Chico & Rita’, Premio del Cine Europeo a la Mejor Película de Animación; o la reciente ‘El olvido que seremos’, con cinco Premios Platino. En total, sus películas han sumado 69 nominaciones a los Goya y sus protagonistas y técnicos han subido a recibir el premio en 32 ocasiones.



“Hablar de Fernando Trueba es hacerlo de un gran cineasta de nuestro país, por lo que para el Festival supone un inmenso honor poder entregar nuestro Premio Ciudad de Huelva a un director de su trayectoria”, ha asegurado el director del certamen onubense.

Martín ha destacado que la 47 edición del Festival será la de la vuelta a la presencialidad, a las salas de cine y a la pantalla grande. “Celebramos la vuelta a la presencialidad y qué mejor que hacerlo con un Premio Ciudad de Huelva a un homenajeado como Fernando Trueba”.

Fernando Trueba (Madrid, 1955) debutó en 1980 con ‘Ópera prima’ (1980), que renovó la comedia española y fue premiada en los festivales de Venecia y Chicago y tuvo un gran éxito de taquilla. Fue el inicio de una larga carrera llena de éxitos y reconocimientos. Con ‘El año de las luces’ (1986) gana el Oso de Plata en el Festival de Berlín y el primero de los numerosos premios Goya con los que la Academia de Cine Española le ha reconocido en todo este tiempo.

En 1989 sorprende con un thriller psicológico en inglés, ‘The mad monkey’ (1989), que obtiene 5 premios Goya, incluyendo los de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion. Es en 1992 cuando recibe el Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa con ‘Belle Époque’ (1992), que obtiene también el Bafta y 9 premios Goya, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion, Mejor Actriz y Mejor Actor y Actriz Secundaria.

‘La niña de tus ojos’ (1998) es de nuevo un gran éxito y la gran triunfadora de los premios Goya de ese año con siete galardones, incluyendo Mejor Película, Mejor Actriz y Mejor Actor Secundario. Con ‘Calle 54’ (2000) consigue unir sus dos pasiones, el cine y la música, en un homenaje a los maestros latinos del jazz que además del Goya al Mejor Documental obtiene el Best Film Award de la USA Jazz Journalists Association.

‘El embrujo de Shanghai’ (2002) recibe tres premios Goya, y ‘El milagro de Candeal’ (2004), los de Mejor Documental y Mejor Canción. En ella, el cine y la música se unen de nuevo para retratar el trabajo social de una comunidad de Salvador de Bahía (Brasil).

Su siguiente aventura, ‘Chico & Rita’ (2010), su primera película de animación en colaboración con Javier Mariscal, de nuevo le lleva hasta los premios de la Academia de Hollywood, siendo la primera película española nominada al Oscar como Mejor Película de Animación, una cinta que recibió también el de Mejor Película Europea de Animación en los European Film Awards y el Goya a la Mejor Película de Animación española, entre otros muchos.

Con ‘El artista y la modelo’ (2011), Premio al Mejor Director en el Festival de San Sebastián, se adentra en los misterios del arte y la creación y reúne a dos leyendas del cine, Jean Rochefort y Claudia Cardinale. ‘La reina de España’ (2016), secuela de ‘La niña de tus ojos’ (1998) fue presentada en la Sección Oficial del Festival de Berlín.

Su última película hasta la fecha es ‘El olvido que seremos’ (2020), Premio Goya a la mejor película extranjera de habla hispana y con cinco Premios Platino, entre ellos el de Mejor Película Iberoamericana.

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El disco ‘Lágrimas Negras’, donde unió a Bebo Valdés con Diego ‘El Cigala’, fue un éxito mundial que la crítica americana calificó como “an instant classic”. En la banda sonora de ‘Chico & Rita’, tal vez su trabajo más complejo como productor musical, contó con grandes de la música cubana, norteamericana y española como Bebo Valdés, Jimmy Heath, Estrella Morente, Freddy Cole, etc…

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Vitoria, primeras horas del viernes 17 de julio de 2015. Jeff Ballard, a quien pudimos escuchar el día anterior acompañando al pianista Brad Mehldau, medita sobre las complejidades del alma humana mientras camina por los jardines situados frente al hotel en el que está alojado. Cualquiera diría que se está preparando para su nueva aparición en el festival, esta misma noche, junto a la clarinetista Anat Cohen: “Así que esta noche voy a tocar música brasileña… esa sí que es buena”.

Para cualquiera que no esté metido en los usos y costumbres del jazz, imaginar que alguien pueda no tener la más remota idea de lo que va a interpretar horas antes del concierto, puede sonar a locura, falta de profesionalismo, o algo peor; en el jazz, esto es el pan nuestro de cada día.

Más información

Anat Cohen, a la que uno no conocía, es todo un fenómeno digno de ser estudiado. Primero, por el instrumento que toca, el clarinete, que los jazzistas modernos han abandonado en lo más profundo del baúl de los recuerdos, junto a la tuba en si bemol, el ukelele y la armónica de cristal o hidrocristalófono; segundo, por sus maneras propias de showoman consumada pese a su aparente corta edad (imposible obtener dato alguno acerca de su año de nacimiento a través de Internet). Ella es así: excesiva y rimbombante; alguien capaz de juntar en un mismo concierto a Cartola con Pixinguinha, Edith Piaf y Fats Waller; o se la ama, o se la detesta; otra cosa es imposible. Uno sale de escuchar a Anat Cohen admirado de su virtuosismo como clarinetista y sin entender por qué no toca otro instrumento.

Salieron luego a escena Niño Josele y Estrella Morente para cantarnos los temas de su disco brasileño, Amar en paz. Primero él; luego ella. Vestido blanco hasta los pies, mirada altiva, el pelo ondulado con un suave tono caoba. Fernando Trueba les juntó, y ellos se dejaron juntar. Lo que es valor no les falta, ni al uno ni a los otros.

El lector conoce los temas del disco: los hay que son apesadumbrados, melancólicos, y otros que resultan directamente deprimentes. Uno andaba tratando de sobrevivir por entre el mar de lágrimas y recordaba a la gran Shirley Horn, de su paso por éste mismo festival hace unos cientos de años, y la espectadora que puso el grito en el cielo porque ella no había pagado por escuchar a una anciana cantando canciones tristes; qué hubiera dicho ésta espectadora de estar presente la noche de ayer. Si se me pide la opinión, y así debe ser puesto que ese es mi oficio, me remitiré a lo que escribió el crítico del diario O Globo de Río de Janeiro: bonito, pero excesivo.

Total, que de los tres conciertos del día, el firmante se queda con el que tuvo lugar esa misma tarde en el Teatro Principal de la ciudad, y protagonizó el colombiano Edmar Castañeda. El primer concierto de arpa-solo en la historia del festival. Lo que sería una extravagancia si no fuera porque, detrás del instrumento ciertamente inusual, hay un creador de marca mayor. Alguien con los pies en el suelo y la mirada muy alta. Castañeda parte de la nada para crear su propia tradición de un instrumento sin historia dentro del jazz. Toca alto y claro. Su música suena a joropo y a bulería; a samba y a jazz libre; a todo eso, y a nada. Termina su concierto interpretando España, de Chick Corea: nadie es perfecto.

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Vitoria, primeras horas del viernes 17 de julio de 2015. Jeff Ballard, a quien pudimos escuchar el día anterior acompañando al pianista Brad Mehldau, medita sobre las complejidades del alma humana mientras camina por los jardines situados frente al hotel en el que está alojado. Cualquiera diría que se está preparando para su nueva aparición en el festival, esta misma noche, junto a la clarinetista Anat Cohen: “Así que esta noche voy a tocar música brasileña… esa sí que es buena”.

Para cualquiera que no esté metido en los usos y costumbres del jazz, imaginar que alguien pueda no tener la más remota idea de lo que va a interpretar horas antes del concierto, puede sonar a locura, falta de profesionalismo, o algo peor; en el jazz, esto es el pan nuestro de cada día.

Más información

Anat Cohen, a la que uno no conocía, es todo un fenómeno digno de ser estudiado. Primero, por el instrumento que toca, el clarinete, que los jazzistas modernos han abandonado en lo más profundo del baúl de los recuerdos, junto a la tuba en si bemol, el ukelele y la armónica de cristal o hidrocristalófono; segundo, por sus maneras propias de showoman consumada pese a su aparente corta edad (imposible obtener dato alguno acerca de su año de nacimiento a través de Internet). Ella es así: excesiva y rimbombante; alguien capaz de juntar en un mismo concierto a Cartola con Pixinguinha, Edith Piaf y Fats Waller; o se la ama, o se la detesta; otra cosa es imposible. Uno sale de escuchar a Anat Cohen admirado de su virtuosismo como clarinetista y sin entender por qué no toca otro instrumento.

Salieron luego a escena Niño Josele y Estrella Morente para cantarnos los temas de su disco brasileño, Amar en paz. Primero él; luego ella. Vestido blanco hasta los pies, mirada altiva, el pelo ondulado con un suave tono caoba. Fernando Trueba les juntó, y ellos se dejaron juntar. Lo que es valor no les falta, ni al uno ni a los otros.

El lector conoce los temas del disco: los hay que son apesadumbrados, melancólicos, y otros que resultan directamente deprimentes. Uno andaba tratando de sobrevivir por entre el mar de lágrimas y recordaba a la gran Shirley Horn, de su paso por éste mismo festival hace unos cientos de años, y la espectadora que puso el grito en el cielo porque ella no había pagado por escuchar a una anciana cantando canciones tristes; qué hubiera dicho ésta espectadora de estar presente la noche de ayer. Si se me pide la opinión, y así debe ser puesto que ese es mi oficio, me remitiré a lo que escribió el crítico del diario O Globo de Río de Janeiro: bonito, pero excesivo.

Total, que de los tres conciertos del día, el firmante se queda con el que tuvo lugar esa misma tarde en el Teatro Principal de la ciudad, y protagonizó el colombiano Edmar Castañeda. El primer concierto de arpa-solo en la historia del festival. Lo que sería una extravagancia si no fuera porque, detrás del instrumento ciertamente inusual, hay un creador de marca mayor. Alguien con los pies en el suelo y la mirada muy alta. Castañeda parte de la nada para crear su propia tradición de un instrumento sin historia dentro del jazz. Toca alto y claro. Su música suena a joropo y a bulería; a samba y a jazz libre; a todo eso, y a nada. Termina su concierto interpretando España, de Chick Corea: nadie es perfecto.

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Vicentico llega al Gran Rex para presentar su último disco “El Pozo Brillante”. Las fechas de estas presentaciones serán este viernes 15 de octubre y el sábado 16; esta última se agregó tras haber agotado rápidamente la primera función. Esto dará comienzo a una gira de dos meses por distintas salas del país. En los próximos meses estará en Córdoba, Mar del Plata, Rosario y Neuquén para compartir con su público su último trabajo discográfico.

Vicentico arranca su gira en el Gran Rex (foto: archivo)

El Pozo Brillante, nominado a los Grammy Latinos

El pozo brillante es el séptimo álbum de estudio de Vicentico como solista. Según resume el artista “es una invitación a quebrar la procrastinación y hacer lo que siempre dejamos para después. Animarnos a sacar afuera la sensibilidad y hacer lo que tenemos ganas, con la esperanza de que esa liberación que buscamos pronto va a llegar”.

Incluye once canciones que fueron compuestas por el cantante salvo “Ain’t got no (I Got Life)”, un tema popularizado por gran Nina Simone. Fue grabado durante el 2019 entre Buenos Aires y Nueva York y cuenta con la participación de músicos como Chris Bruce, Glenn Patscha, Mariano Otero, Jeff Hill, Didi Gutman, Tano Martelli, Flor de Toloache, y Sebas Fucci, entre otros.

la portada de 'El Pozo Brillante', su último disco
la portada de ‘El Pozo Brillante’, su último disco

El último lanzamiento previo a este disco había sido “Último Acto”, que lo publicó en el 2014. Después de eso compartió novedades con Los Fabulosos Cadillacs al sacar dos discos “La Salvación de Solo y Juan” en el 2016 y ” “En vivo en The Theater at Madison Square Garden” en el 2017.

La gran noticia es que este disco cuenta con dos nominaciones a los Latin Grammy 2021. La primera es a Mejor Álbum de Rock y la segunda es a Mejor Canción de Rock por Ahora 1, una canción que es parte de este trabajo.

Otros artistas argentinos que también fueron nominados a los grandes premios latinos fueron María Becerra, Zoe Gotusso, Bizarrap, Nathy Peluso, Andrés Calamaro, Rayos Láser, Ligas Menores, Diego Torres, Rafael Arcaute.

¿Cuándo y dónde toca Vicentico?

Las presentaciones restantes para este año son:

.

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Vicentico llega al Gran Rex para presentar su último disco “El Pozo Brillante”. Las fechas de estas presentaciones serán este viernes 15 de octubre y el sábado 16; esta última se agregó tras haber agotado rápidamente la primera función. Esto dará comienzo a una gira de dos meses por distintas salas del país. En los próximos meses estará en Córdoba, Mar del Plata, Rosario y Neuquén para compartir con su público su último trabajo discográfico.

Vicentico arranca su gira en el Gran Rex (foto: archivo)

El Pozo Brillante, nominado a los Grammy Latinos

El pozo brillante es el séptimo álbum de estudio de Vicentico como solista. Según resume el artista “es una invitación a quebrar la procrastinación y hacer lo que siempre dejamos para después. Animarnos a sacar afuera la sensibilidad y hacer lo que tenemos ganas, con la esperanza de que esa liberación que buscamos pronto va a llegar”.

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la portada de ‘El Pozo Brillante’, su último disco

El último lanzamiento previo a este disco había sido “Último Acto”, que lo publicó en el 2014. Después de eso compartió novedades con Los Fabulosos Cadillacs al sacar dos discos “La Salvación de Solo y Juan” en el 2016 y ” “En vivo en The Theater at Madison Square Garden” en el 2017.

La gran noticia es que este disco cuenta con dos nominaciones a los Latin Grammy 2021. La primera es a Mejor Álbum de Rock y la segunda es a Mejor Canción de Rock por Ahora 1, una canción que es parte de este trabajo.

Otros artistas argentinos que también fueron nominados a los grandes premios latinos fueron María Becerra, Zoe Gotusso, Bizarrap, Nathy Peluso, Andrés Calamaro, Rayos Láser, Ligas Menores, Diego Torres, Rafael Arcaute.

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FONDO DE CATÁLOGO

«La banda sonora de Anatomía de unasesinato, una de las escasas contribuciones del Duque a la música cinematográfica, no fue nunca muy apreciada en los círculos más puristas del jazz»

Luis Lapuente recupera una rareza de 1959: la banda sonora de la película Anatomía de un asesinato, de al que se encargó el legendario músico de jazz Duke Ellington.

Duke Ellington
Anatomía de un asesinato (BSO)
SONY, 1959

Texto: LUIS LAPUENTE.

En 2002, el pianista Horace Silver publicó un álbum casi subterráneo titulado Rockin ‘con Rachmaninoff, basado en una historia delirante: Duke Ellington muere y al llegar al cielo se empeña en enseñarle a Rachmaninoff los secretos de la música popular, presentándole a Louis Armstrong y otros dioses del jazz y guiándole por las claves secretas de ese género musical. Inevitablemente, cuando se piensa en los músicos más importantes del siglo XX, no digamos ya de la historia del jazz, aparece en primer lugar el nombre del gran Duke Ellington (1899-1974), cuyo legado recorre toda la historia de la gran música negra, tanto al frente de su banda grande como en el pequeño formato de cuarteto o quinteto, donde dejó momentos tan memorables como “In a sentimental mood”, el momentazo aquel del álbum que grabó en 1962 con el saxofonista John Coltrane.

De todos los homenajes, antologías y reedicionespublicadosen 1999 con motivo del centenario de Duke Ellington, este cedé fue sin duda uno de los más recomendables. Antes que nada, hay que decir que la banda sonora de Anatomía de unasesinato, una de las escasas contribuciones del Duque a la música cinematográfica, no fue nunca muy apreciada en los círculos más puristas del jazz, que la consideraron un trabajo menor y la despacharon con los comentarios más tópicos y lamentables. Una opinión que no comparto en absoluto y que, mucho más importante, deplora el que es considerado por muchos el más directo heredero del universo artístico ellingtoniano, el grandísimo Wynton Marsalis, que apunta lo siguiente en las notas interiores del disco: «La Orquesta de Duke Ellington permanece invariable, son gente que ha estado tocando junta durante décadas. Las técnicas que Duke empezó a desarrollar en los primeros años veinte se han refinado y este es el álbum con el sonido más maduro de la banda (…). En Anatomía de un asesinato tenemos una oportunidad de explorar otros ángulos de su genio, porque en realidad él se limitó a aplicar el sonido de su música a la acción y la atmósfera de la película».

“Happy anatomy”, casi un pasaje cualquiera de los grandes trabajos orquestales del Duke Ellington de los años cuarenta, es el perfecto ejemplo del Ellington más clásico, en contraposición a piezas como la deliciosa “Low key lightly” o las extraordinarias “Midnight Indigo”(con un memorable solo de celeste) y “Almost cried”(acariciada por la deliciosa trompeta de ClarkTerry), en las que asomó el Ellington más íntimo, el de las distancias cortas y el alma de blues. Un Ellington magistral, por encima ya de las modas y los modismos, cuyo legado se enriquece en esta reedición digital con el añadido de casi cuarenta y cinco minutos al metraje original del vinilo: rarezas, singles, tomas inéditas, diálogos de la película y una entrevista con el Duque.

Y para quienes deseen completar una (pequeña) visión panorámica del inmenso legado de Duke Ellington, se recomienda encarecidamente hacerse con una buena antología de sus grabaciones en RCA, la flor y nata de sus grabaciones orquestales, añadir el álbum que firmó en comandita con John Coltrane en el sello Impulse! y quizá el deuvedé Te amo con locura. Un concierto de música sacra en Grace Cathedral (Eagle, 2006),una grabación imprescindible que reúne los documentales Te amo con locura y Un concierto de música sacra en Grace Cathedral, producidos en 1965 por el especialista Ralph J. Gleason. Ambos filmes representan el canon de Ellington, el mejor resumen de su legado desde el punto de vista del sonido y de la imagen, con multitud de entrevistas y registros de actuaciones de su gran orquesta en distintos escenarios, que culminan en los Conciertos sagrados, el gran proyecto de fusión del góspel, el jazz y la música clásica. Cincuenta y seis años después de su estreno, esta edición digital restaurada de los dos documentales de Duke Ellington es el mejor regalo, junto con la banda sonora de Anatomía de un asesinato, para cualquier buen aficionado a la gran música negra del siglo XX.

Anterior entrega de Fondo de catálogo: Chica de tierra roja (2000), de Emmylou Harris.

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FONDO DE CATÁLOGO

«La banda sonora de Anatomía de unasesinato, una de las escasas contribuciones del Duque a la música cinematográfica, no fue nunca muy apreciada en los círculos más puristas del jazz»

Luis Lapuente recupera una rareza de 1959: la banda sonora de la película Anatomía de un asesinato, de al que se encargó el legendario músico de jazz Duke Ellington.

Duke Ellington
Anatomía de un asesinato (BSO)
SONY, 1959

Texto: LUIS LAPUENTE.

En 2002, el pianista Horace Silver publicó un álbum casi subterráneo titulado Rockin ‘con Rachmaninoff, basado en una historia delirante: Duke Ellington muere y al llegar al cielo se empeña en enseñarle a Rachmaninoff los secretos de la música popular, presentándole a Louis Armstrong y otros dioses del jazz y guiándole por las claves secretas de ese género musical. Inevitablemente, cuando se piensa en los músicos más importantes del siglo XX, no digamos ya de la historia del jazz, aparece en primer lugar el nombre del gran Duke Ellington (1899-1974), cuyo legado recorre toda la historia de la gran música negra, tanto al frente de su banda grande como en el pequeño formato de cuarteto o quinteto, donde dejó momentos tan memorables como “In a sentimental mood”, el momentazo aquel del álbum que grabó en 1962 con el saxofonista John Coltrane.

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“Happy anatomy”, casi un pasaje cualquiera de los grandes trabajos orquestales del Duke Ellington de los años cuarenta, es el perfecto ejemplo del Ellington más clásico, en contraposición a piezas como la deliciosa “Low key lightly” o las extraordinarias “Midnight Indigo”(con un memorable solo de celeste) y “Almost cried”(acariciada por la deliciosa trompeta de ClarkTerry), en las que asomó el Ellington más íntimo, el de las distancias cortas y el alma de blues. Un Ellington magistral, por encima ya de las modas y los modismos, cuyo legado se enriquece en esta reedición digital con el añadido de casi cuarenta y cinco minutos al metraje original del vinilo: rarezas, singles, tomas inéditas, diálogos de la película y una entrevista con el Duque.

Y para quienes deseen completar una (pequeña) visión panorámica del inmenso legado de Duke Ellington, se recomienda encarecidamente hacerse con una buena antología de sus grabaciones en RCA, la flor y nata de sus grabaciones orquestales, añadir el álbum que firmó en comandita con John Coltrane en el sello Impulse! y quizá el deuvedé Te amo con locura. Un concierto de música sacra en Grace Cathedral (Eagle, 2006),una grabación imprescindible que reúne los documentales Te amo con locura y Un concierto de música sacra en Grace Cathedral, producidos en 1965 por el especialista Ralph J. Gleason. Ambos filmes representan el canon de Ellington, el mejor resumen de su legado desde el punto de vista del sonido y de la imagen, con multitud de entrevistas y registros de actuaciones de su gran orquesta en distintos escenarios, que culminan en los Conciertos sagrados, el gran proyecto de fusión del góspel, el jazz y la música clásica. Cincuenta y seis años después de su estreno, esta edición digital restaurada de los dos documentales de Duke Ellington es el mejor regalo, junto con la banda sonora de Anatomía de un asesinato, para cualquier buen aficionado a la gran música negra del siglo XX.

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Durante todo el mes de octubre los cafés y bares notables de la ciudad presentan una programación al aire libre que ofrecerá shows musicales, muestras de artes visuales, ciclos y charlas sobre patrimonio cultural, entre otras actividades. La propuesta busca acercar diferentes actividades a los vecinos de la ciudad, aprovechando la oferta gastronómica y los espacios al aire libre ganados por los bares y cafés notables.

Los cafés y bares notables concebidos como centros culturales de cada uno de los barrios, funcionarán como escenarios de muestras de artes visuales, música, teatro y espacios de lectura, con la incorporación de mini bibliotecas en los bares, entre otras actividades.

Ciclo Música en Bares Notables

Los bares notables de la ciudad abren sus puertas para presentar nuevos talentos musicales. Artistas seleccionados en el Concurso de Música en Bares Notables fueron seleccionados por un jurado integrado por reconocidos músicos y compositores.

Programación octubre:

Camina rápido.

llantos

Ande Ligeiro interpreta obras de compositores clásicos del choro y contemporáneos ligados a la tradición, al jazz, al tango, la milonga, con obras instrumentales, cantadas y arreglos propios.

Integrantes: Mariana Marcolongo, flauta; Carolina Monteiro, clarinete; Osvaldo Belmonte, piano y arreglos; Juan Usandivaras, percusión.

Federico Álvarez Quinteto.

Jazz.

Federico Alvarez es uno de los saxofonistas más importantes de la escena local del jazz. En esta ocasión, se suma la talentosa Verónica Sala en la voz para abordar un repertorio, con arreglos originales, compuesto de clásicos popularizados por Nat King Cole, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, entre otros. Completan el grupo Dante Picca en piano, Diego Rodriguez en contrabajo y Nicanor Faerberg en batería.

Manu Altamirano Trío.

Música Latinoamericana.

Es un proyecto con marcado sello rioplatense, en el que el cantautor Manu Altamirano desarrolla canciones propias ancladas en ritmos latinoamericanos. En 2016 presentó su primer trabajo discográfico Aguadulce, y en 2021 el segundo, Extremos. Se presenta en formato trío junto a Florencia Cagnone en bajo y Diego del Portillo en percusión, a los que suma su guitarra, su voz y algunos efectos.

Pablo Bernard Cuarteto.

Popular Contemporáneo.

En las composiciones de Bernard conviven y mixturan géneros populares de América. Desde las influencias rítmicas rioplatenses, brasileñas, del folklore argentino, sudamericano y centroamericano a la impronta armónica del jazz. Nada es ajeno a su interés musical. Integran el cuarteto Gonzalo Rujelman en batería, Ricardo Rafaelli enl bajo, Juan Vaccaneo, piano y Pablo Bernard en guitarra.

Los bares notables de la Ciudad están llenos de música y arte al aire libre en octubre

Día de los Cafés de Buenos Aires.

El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires presenta el Día de los Cafés de Buenos Aires, fecha instituida por la Legislatura porteña por Ley Nº 511 del año 2000, en honor a la apertura del Café Tortoni el 26 de octubre de 1858.

Los Cafés, Bares, Billares y Confiterías Notables son un emblema del patrimonio cultural de la Ciudad de Buenos Aires. Ubicados en 25 barrios porteños, guardan historias, anécdotas, sabores y olores que tanto vecinos como turistas disfrutan desde hace decenas de años.

Los Bares Notables de la Ciudad participan de los festejos con una variada programación musical, con entrada gratuita, este año se rendirá homenaje al Folklore Argentino.

Desde el mediodía y hasta las primeras horas de la noche se realizará, en diferentes bares, shows donde se rendirá tributo a los diferentes estilos de nuestro folklore.

Alpa Munay.

Folklore.

Grupo musical que transita el camino sonoro y la profunda huella poética de uno de los folkloristas más importantes de Latinoamérica, Atahualpa Yupanqui. Integrantes Fernando de Gyldenfeldt, voz; Nicolás Kamienkowski, guitarra; Pablo Palacios, piano y Nahuel Villegas, percusión.

Florencia Dávalos.

Folklore.

Florencia Dávalos presenta “Celebración”. El concierto “Celebración” es un endo donde se van tejiendo las propias canciones, poesías y textos con las de diversas mujeres – Violeta Parra, Idea Vilariño, Leda Valladares, Clarice Lispector, Mercedes Sosa, Cecilia Todd, Chabuca Granda-, que la conmueven y han acompañado en distintos momentos de su vida. Florencia Dávalos se presenta en formato de dúo acompañada por Nahuel Quipildor en guitarra.

Grupo Celeste Taboas.

Folklore.

La cantante se aventura a transitar con profundo sentir el repertorio latinoamericano. Una invitación a viajar, por medio de una experiencia musical que hilvana con naturalidad la poesía de los pueblos y los sonidos de la región.
Acompaña en Guitarra: Federico Ochoa.

Francisco Suárez.

Folklore Alternativo.

Francisco Suárez, actor y cantautor. A los diecisiete años comenzó a tocar la guitarra y cantar. Ha compuesto canciones para distintos espectáculos teatrales y musicales. Acompañó como guitarrista a Julio Lacarra, Chany Suárez y Florencia Suárez. En 2019 lanzó y presentó su primer álbum solista “BUSCO”. El álbum fue postulado a los Premios Gardel en el rubro Mejor Álbum Artista de Folklore (2020). Como actor ha realizado giras por el interior del país, Latinoamérica y Europea (París, Barcelona, Madrid y Londres). Francisco Suárez (voz y guitarra), Gastón Gatex (piano), Hernán Fernández (percusión) y Florencia Suárez (cantante invitada).

Los bares notables de la Ciudad están llenos de música y arte al aire libre en octubre

La Noche de los Museos 2021.

La edición 2021 volverá a convocar a miles de vecinos y turistas que van a poder recorrer los museos y centros culturales de forma totalmente gratis. Además se organizarán charlas, actividades culturales, espectáculos musicales y recorridos en bicicletas. Como en las ediciones anteriores los Bares Notables de la ciudad se suman para disfrutar de una cálida noche.

Fusión del sur.

Folklore Fusión.

Trío conformado por Aníbal Glüzmann (piano), Jorge Orlando (batería) y Ezequiel Agüero (bajo); tres músicos de amplia trayectoria y distintas extracciones musicales que se juntan con la idea de fusionar lo mejor de cada estilo dentro de una temática folklórica argentina y latinoamericana.

Santiago Álvarez – Emiliano Faryna.

Chamamé.

Santiago Álvarez presenta “Domingo”, su primer disco solista junto a Emiliano Faryna en guitarra. Álvarez pertenece a una nueva generación de armoniquistas argentinos que se ha dedicado a darle una nueva voz a la armónica argentina siguiendo los pasos de Hugo Díaz. Álvarez combina en su repertorio el tango y de las diversas músicas folklóricas de la argentina como la zamba, la chacarera y el chamamé. Santiago Alvarez (armónica). Emiliano Faryna (guitarra).

Cuadrigal.

Folklore.

Trío vocal e instrumental del folclore rioplatense.
Integrantes: Daniel Fernández, voz y percusión; Pablo Caldarola, voz y piano; Sebastián Ormeño, voz y guitarra.

Para más información, pueden consultarse las siguientes redes:

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Los cafés y bares notables concebidos como centros culturales de cada uno de los barrios, funcionarán como escenarios de muestras de artes visuales, música, teatro y espacios de lectura, con la incorporación de mini bibliotecas en los bares, entre otras actividades.

Ciclo Música en Bares Notables

Los bares notables de la ciudad abren sus puertas para presentar nuevos talentos musicales. Artistas seleccionados en el Concurso de Música en Bares Notables fueron seleccionados por un jurado integrado por reconocidos músicos y compositores.

Programación octubre:

Camina rápido.

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Ande Ligeiro interpreta obras de compositores clásicos del choro y contemporáneos ligados a la tradición, al jazz, al tango, la milonga, con obras instrumentales, cantadas y arreglos propios.

Integrantes: Mariana Marcolongo, flauta; Carolina Monteiro, clarinete; Osvaldo Belmonte, piano y arreglos; Juan Usandivaras, percusión.

Federico Álvarez Quinteto.

Jazz.

Federico Alvarez es uno de los saxofonistas más importantes de la escena local del jazz. En esta ocasión, se suma la talentosa Verónica Sala en la voz para abordar un repertorio, con arreglos originales, compuesto de clásicos popularizados por Nat King Cole, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, entre otros. Completan el grupo Dante Picca en piano, Diego Rodriguez en contrabajo y Nicanor Faerberg en batería.

Manu Altamirano Trío.

Música Latinoamericana.

Es un proyecto con marcado sello rioplatense, en el que el cantautor Manu Altamirano desarrolla canciones propias ancladas en ritmos latinoamericanos. En 2016 presentó su primer trabajo discográfico Aguadulce, y en 2021 el segundo, Extremos. Se presenta en formato trío junto a Florencia Cagnone en bajo y Diego del Portillo en percusión, a los que suma su guitarra, su voz y algunos efectos.

Pablo Bernard Cuarteto.

Popular Contemporáneo.

En las composiciones de Bernard conviven y mixturan géneros populares de América. Desde las influencias rítmicas rioplatenses, brasileñas, del folklore argentino, sudamericano y centroamericano a la impronta armónica del jazz. Nada es ajeno a su interés musical. Integran el cuarteto Gonzalo Rujelman en batería, Ricardo Rafaelli enl bajo, Juan Vaccaneo, piano y Pablo Bernard en guitarra.

Los bares notables de la Ciudad están llenos de música y arte al aire libre en octubre

Día de los Cafés de Buenos Aires.

El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires presenta el Día de los Cafés de Buenos Aires, fecha instituida por la Legislatura porteña por Ley Nº 511 del año 2000, en honor a la apertura del Café Tortoni el 26 de octubre de 1858.

Los Cafés, Bares, Billares y Confiterías Notables son un emblema del patrimonio cultural de la Ciudad de Buenos Aires. Ubicados en 25 barrios porteños, guardan historias, anécdotas, sabores y olores que tanto vecinos como turistas disfrutan desde hace decenas de años.

Los Bares Notables de la Ciudad participan de los festejos con una variada programación musical, con entrada gratuita, este año se rendirá homenaje al Folklore Argentino.

Desde el mediodía y hasta las primeras horas de la noche se realizará, en diferentes bares, shows donde se rendirá tributo a los diferentes estilos de nuestro folklore.

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Grupo musical que transita el camino sonoro y la profunda huella poética de uno de los folkloristas más importantes de Latinoamérica, Atahualpa Yupanqui. Integrantes Fernando de Gyldenfeldt, voz; Nicolás Kamienkowski, guitarra; Pablo Palacios, piano y Nahuel Villegas, percusión.

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Grupo Celeste Taboas.

Folklore.

La cantante se aventura a transitar con profundo sentir el repertorio latinoamericano. Una invitación a viajar, por medio de una experiencia musical que hilvana con naturalidad la poesía de los pueblos y los sonidos de la región.
Acompaña en Guitarra: Federico Ochoa.

Francisco Suárez.

Folklore Alternativo.

Francisco Suárez, actor y cantautor. A los diecisiete años comenzó a tocar la guitarra y cantar. Ha compuesto canciones para distintos espectáculos teatrales y musicales. Acompañó como guitarrista a Julio Lacarra, Chany Suárez y Florencia Suárez. En 2019 lanzó y presentó su primer álbum solista “BUSCO”. El álbum fue postulado a los Premios Gardel en el rubro Mejor Álbum Artista de Folklore (2020). Como actor ha realizado giras por el interior del país, Latinoamérica y Europea (París, Barcelona, Madrid y Londres). Francisco Suárez (voz y guitarra), Gastón Gatex (piano), Hernán Fernández (percusión) y Florencia Suárez (cantante invitada).

Los bares notables de la Ciudad están llenos de música y arte al aire libre en octubre

La Noche de los Museos 2021.

La edición 2021 volverá a convocar a miles de vecinos y turistas que van a poder recorrer los museos y centros culturales de forma totalmente gratis. Además se organizarán charlas, actividades culturales, espectáculos musicales y recorridos en bicicletas. Como en las ediciones anteriores los Bares Notables de la ciudad se suman para disfrutar de una cálida noche.

Fusión del sur.

Folklore Fusión.

Trío conformado por Aníbal Glüzmann (piano), Jorge Orlando (batería) y Ezequiel Agüero (bajo); tres músicos de amplia trayectoria y distintas extracciones musicales que se juntan con la idea de fusionar lo mejor de cada estilo dentro de una temática folklórica argentina y latinoamericana.

Santiago Álvarez – Emiliano Faryna.

Chamamé.

Santiago Álvarez presenta “Domingo”, su primer disco solista junto a Emiliano Faryna en guitarra. Álvarez pertenece a una nueva generación de armoniquistas argentinos que se ha dedicado a darle una nueva voz a la armónica argentina siguiendo los pasos de Hugo Díaz. Álvarez combina en su repertorio el tango y de las diversas músicas folklóricas de la argentina como la zamba, la chacarera y el chamamé. Santiago Alvarez (armónica). Emiliano Faryna (guitarra).

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Folklore.

Trío vocal e instrumental del folclore rioplatense.
Integrantes: Daniel Fernández, voz y percusión; Pablo Caldarola, voz y piano; Sebastián Ormeño, voz y guitarra.

Para más información, pueden consultarse las siguientes redes:

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15/10/2021 – NoticiasClave.net

Maria del Mar Bonet con Juli Casado, de la Big Band Begues, y Toni Cuenca, director musical, en el Palau de la Música este jueves. Foto: © Juan Miguel Morales.

Bautizadas como Blues en G, en referencia al título de una canción del mallorquín Guillem De Efak que forma parte del repertorio de estos conciertos, la cantante Maria del Mar Bonet afronta dos citas únicas con el jazz en su inminente calendario, en las que también recuperará algunas piezas del repertorio jazzístico del legendario Bonet de San Pedro, extraordinariamente popular en los años cuarenta, cincuenta y sesenta.

Maria del Mar inaugurará del 53.º Voll-Damm Festival de Jazz de Barcelona, el 20 de octubre en el Palau de la Música Catalana, en Barcelona; y la también abrirá el 14.º Festival Jazz Voyeur en Mallorca, el 6 de noviembre, en Son Amar.

Bajo la dirección musical del músico y arreglista mallorquín Toni Cuenca, la cantante se presenta con una banda grande de 18 componentes: la Grande Band Begues, con la que recuperan algunas canciones con las que Bonet ha celebrado el mundo del jazz y el swing en algunos tramos de su extensa trayectoria.

En 1979 estrenaba la celebrada pieza ‘Jim’, en clave de homenaje a Billie vacaciones y adaptada al catalán por Quico Pi de la Serra, en una serie de recitales en el Teatro Romea de Barcelona llamados ‘Per Corpus al Romea’. Desde entonces ha cantado a Gershwin y estándares escogidos de jazz en decenas de recitales, durante las giras de presentación de los discos que grabó con Manel Camp, o al lado de nombres de la escena del jazz con los que ha compartido recitales como el de Horacio Fumero, Santi Arisa o los cubanos José Luis Cortés y Jorge Reyes, entre otros.

Para Maria del Mar Bonet estos conciertos serán una celebración de la reciente apertura de los aforos en los teatros y auditorios, donde además de recuperar algunos referentes de su repertorio en clave de jazz y de blues, cantará su hasta ahora inédito y particular homenaje a otro ilustre mallorquín: el cantante, compositor, autor y arreglista Bonet de San Pedro, interpretando algunas de sus canciones.

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15/10/2021 – NoticiasClave.net

Maria del Mar Bonet con Juli Casado, de la Big Band Begues, y Toni Cuenca, director musical, en el Palau de la Música este jueves. Foto: © Juan Miguel Morales.

Bautizadas como Blues en G, en referencia al título de una canción del mallorquín Guillem De Efak que forma parte del repertorio de estos conciertos, la cantante Maria del Mar Bonet afronta dos citas únicas con el jazz en su inminente calendario, en las que también recuperará algunas piezas del repertorio jazzístico del legendario Bonet de San Pedro, extraordinariamente popular en los años cuarenta, cincuenta y sesenta.

Maria del Mar inaugurará del 53.º Voll-Damm Festival de Jazz de Barcelona, el 20 de octubre en el Palau de la Música Catalana, en Barcelona; y la también abrirá el 14.º Festival Jazz Voyeur en Mallorca, el 6 de noviembre, en Son Amar.

Bajo la dirección musical del músico y arreglista mallorquín Toni Cuenca, la cantante se presenta con una banda grande de 18 componentes: la Grande Band Begues, con la que recuperan algunas canciones con las que Bonet ha celebrado el mundo del jazz y el swing en algunos tramos de su extensa trayectoria.

En 1979 estrenaba la celebrada pieza ‘Jim’, en clave de homenaje a Billie vacaciones y adaptada al catalán por Quico Pi de la Serra, en una serie de recitales en el Teatro Romea de Barcelona llamados ‘Per Corpus al Romea’. Desde entonces ha cantado a Gershwin y estándares escogidos de jazz en decenas de recitales, durante las giras de presentación de los discos que grabó con Manel Camp, o al lado de nombres de la escena del jazz con los que ha compartido recitales como el de Horacio Fumero, Santi Arisa o los cubanos José Luis Cortés y Jorge Reyes, entre otros.

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